服饰是历史的沉默见证者。它掩盖身体，属于族群；它拓宽视野，从中汲取经验。COMMUNS 相信，每一块尘封的布料，每一件回收的衣物，都有其自身的超验性。通过行走的流动体验，它们传达了客体本身的感知与直觉，引领人们走向视线之外的历史与远方。 真正的理解源于脚踏实地的丈量。从巴黎出发，COMMUNS 及其设计师 SAI基于对法国后殖民时代及世界文化的观察与反思，他以游牧者的眼光行走，拾起在不同时空中传递的生存经验。游牧文化、游牧民族、土地与人性承载的原生文化，以及与人类文明融合过程中那诗意而神秘的戏剧氛围，不断激发着 COMMUNS “视听叙事感”的设计灵感。 从法国、蒙古、塞内加尔、乌克兰，到作为当代秘境的墨西哥，今天，COMMUNS 首次在中国（北京 Common Place）举办品牌 2021 春夏及秋冬系列的回顾展“COMMUNS PLACE”，展出 2021 春夏“Shady Village”系列视觉影像以及 2021 秋冬“Chaman Routier”系列服饰。展览以时装、影像、装置等材质为基底，书写了一卷叙事长轴。从“他者领域”吟唱而来的古老传说在展览空间中回荡。人类与部落的共通元素并置、幻想的错位，以及将古典时代的瑰丽神话与现代都市生活融合，COMMUNS 试图呈现一个源自不同文化矩阵的、神秘而浪漫的交互仙境。 当一阵风吹皱了塞内加尔偏远村庄民居里的白色钩花窗帘，人们未曾预料这阵风会将这片土地上久远而尘封的民俗美学与轶事吹向地球的另一个角落，成了另一群人眼中的风景。COMMUNS PLACE 的展览空间便是这样的一处景观。由造型师 Pierre Fillaire 与 SAI 从法国带回的陈设，埋藏其中的层次与细节，揭示了衣物作为叙事主体独特的生命力。锯末和农作物装置将展览空间与周遭的当代氛围隔绝开来。温暖的野花、蓬松的枝桠，甚至干燥的泥土，这些令人放松的自然地景元素固化成地理与时空的迷幻错位。银色刀叉和行军包堆叠在松散的土丘上，钩花布料与手工地毯层叠铺陈，仿佛置身于一出间奏剧的舞台场景，或是某张泛黄老照片中出现的午休村庄。系列作品中衣物与衣架的缝隙被棉花填充，萨满与宗教服饰交织在一起。酷似稻草人的造型营造出午休时的闲适场景。看似没有“人”的介入，却处处流露出“人”的作用所留下的打磨痕迹。 迁徙的过程本身就具备足够的自然之美。在 2021 春夏和秋冬系列中，COMMUNS 分别穿行乌克兰与墨西哥，分别命名为“Shady Village”与“Charman Routier”。陌生的土地与人文肖像交织，在设计中投射出同样的默契。搜集来自世界各地的古董面料与古旧装饰，倚赖纯手工的解构与拼接，以及经典欧美工装美学基础的严谨框架，书写出 COMMUNS 曲折而诗意的服饰走向。古董面料仿佛有着自己的执念，它们被拼接成 COMMUNS 独有的面料体系。一种层次感自发地等待着观众的阅读：屠夫的涂层围裙与渔网进行搭配；蒙古羊绒织物上的扎染呈现出一种自然的褪色与朦胧感；大面积悬挂的印度刺绣棉布，巧合得令人联想到中国传统的刺绣针法——籽绣；来自塞内加尔的刺绣与缎面窗帘布被拆解，放置在不同单品的各处，点缀出整卷长轴的连贯性与惊喜。 得益于展览空间自由的氛围，悬挂的衣物最大限度地展现了版型设计的精妙与优越。裁剪中可循的经典欧美工装剪裁技艺，以各种象形的方式被借用并翻新。从美国本土流传至法国的古董军装，经过法式美学的重塑，演变为一种后军事时代的折中主义。其中一件德军警用大衣，线条干练利落，如同挺拔的军官，让人想起《巴黎烧了吗？》这一非虚构作品中，对于战争年代那电影画面般的刻画与演绎，如同分镜脚本一般。 观看 COMMUNS 需要观众调动一定的智趣与专注力。尽管在不同的系列中，所捕捉到的地域文化各不相同，但极具连贯性的风格将一个个看似光怪陆离却又极其诗意的故事线串联在了一起。正如每一种颜色都有属于自己的脾性，每一块面料亦是如此。外露的赤裸布料看似是衣物的主体，但当你翻开内部，那些纹理与脾性各异的面料又会出其不意地提醒你，丰富而令人惊叹的内容永远停留并观察着细节处的你。 那些值得反复端详的细节，源于尚未被大规模商业化与流水线作业所侵蚀的技艺坚持。由于古董面料独特的稀缺性，注定了大部分 COMMUNS 系列单品在“流行指南”之外的珍贵少数。孤品面料的搜集过程繁琐，手缝工艺的严谨度，以及自研的面料印染工序，将每一件成衣的工期固定在一周甚至更久。位于巴黎的这间“全球化”工作室，为了唤醒更多珍贵的面料与动人的故事，始终安静而有序地忙碌着。 体验世界，关注地理，旅至土地深处，巡游海洋漩涡。通过重塑衣物的实验，COMMUNS 有序地传达着其世界观：能将亲身经历的故事与感受一一留存完整，这便是在今日充满不确定性的环境中，最值得把握的事情。                                                               文字：王楚钰                                           ...

We/You are almost there! 我们常以此话提醒或鼓励他人与自己，意指在抵达“那里”之后，我们或我们的行动将进入一个迥异于当下的状态。这个“那里”（there）作为目的地，不仅暗示了现在与未来在场与缺席的区分，更指涉一种空间上的隔阂——即我们当下所处位置与目的地之间的距离。而“Almost Human”——快要是人，差不多是人，即将是人——正是对既定“人与非人”界限的回应。那些在成为真正的人之前，处于伪人（pseudo-human）、类人（quasi-human）、非人（non-human）状态的存在，究竟是何种样貌？它们与人类的界限是如何确立并使其自身获得合法性的？当遨游于真空宇宙的NASA宇航员需要借助各种技术支撑的非有机材料才能维持地球上的日常活动时，我们还能说他们依然过着人类的生活吗？当部分人需要将无机物植入体内并与其共生，才能获得健康与美丽时，他们还能被称为“自然人”吗？无论答案如何，我们都无法回避一个问题：我们现有的关于人与非人、有机物与无机物的界限划分，可靠吗？而这一决定了我们审美经验的划分，能否被重构？参展艺术家于林汉、谷优和王哲，基于各自的思考模式与审美经验，以不同的形式和内容对上述“界限”进行了探索与回应。他们的艺术实践并非以抵达某个“那里”为导向来给出答案，因为答案终将封闭并规避问题。相反，他们的回应旨在揭开“何以为人”这一命题本身，及其延伸出的一系列与我们现实生活息息相关的深层议题。使熟悉的事物变得陌生，是本次展览触及“Almost Human”主题的路径之一，由此引发出我们对社会规训的感受与反思。有趣的是，作品以一种无声而笃定的姿态，将身体作为陌生感的媒介，对20世纪初俄国形式主义所提出的“陌生化”美学概念进行了后人类式的回应。在这里，我们的身体——具体到日常动作、器官以及身体的微观组成——都成为了“陌生感”或“感到陌生”这一事件的载体。当我们对自以为熟悉的身体感到陌生时，不禁要问：是什么让我们与自己的身体产生了疏离？这种反思不可避免地指向了社会规训：当规训如磨具般塑造着人们的身体、思维乃至审美经验时，人们是否愿意挣脱这具“身体之外的磨具”？这一追问，又引向存在于每个人内心的“微型法西斯”——即对控制的渴望。挣脱控制意味着不确定性与危险，而对失控的抗拒与恐惧，是否构成了“何以为人”的一部分？以身体为媒介的陌生感，引出了艺术家们对潜在技术问题的探讨：当技术作为人类的体外化延展（exosomatisation）时，与技术共生的人类该如何直面人/非人、有机物/无机物的边界？宇航员的3D眼球是对海德格尔技术定义的某种回应——技术即是那让人们对变化产生免疫的东西。通过为眼球佩戴特制防护罩，宇航员可免受脑髓液积压带来的视力风险，从而在无重力环境下自如活动。这种由“技术—人”共生带来的免疫力，维持了人体功能在不同环境中的持续性与恒定性，再次将我们抛入基于赛博格（cyborg）的边界问题之中：与原始社会相比，必须与技术共存才能维持生命的现代人，与非人、无机物的界限究竟在哪里？这一界限又是如何划定的？亦或从一开始，人类就已经是“技术—人类”的混合体，早已与无机物纠缠不清？三人对边界问题的深入思考，将艺术创造引向了对恐惧的探究。恐惧作为一种感觉，是否构成了人/非人、有机物/无机物的分类依据？智慧人类与动物对待恐惧的方式往往不同：动物将恐惧转化为逃生的化学动力以维系生存，而人类则擅长压制恐惧，将其囚禁于无意识中，从而阻止其外化。此外，人类甚至享受恐惧，从中获取快感。在美学领域，哲学家将由致命威胁带来的恐惧感称为“崇高”；从感知经验看，人类倾向于主动地、审美地享受一切关于朽坏与自我毁灭的危险。在博克的崇高论述中，这种由恐惧带来的美，属于“不可呈现之物”（特指不可被视觉化的存在）。这种审美化的恐惧被凝固在以墓碑为形式的作品中。墓碑——作为在场者与缺席者、当下与未来之间的共时存在——意在影射那些游离于我们认知能力之外的“不可呈现之物”。由此，墓碑实现了对生命威胁性恐惧的“悬置”。这种悬置如烈火般，猛烈地煽动着对所有既定关于“区分—归类—分配”的质疑。本次展览还从认知科学的角度——语言（包括技术平台上的语言），讨论了认知能力与感觉能力、智慧与直觉的界限，从而导向对人/非人、有机物/无机物划分的深度探索。与人类相反，动植物常被排除在认知能力之外，而无机物则被完全剥离了感觉能力。即便神经科学的研究也表明，负责认知的神经系统与负责感知的神经系统，对应着笛卡尔身心二元论中身体与心灵的独立性，仅在极少数情况下存在和谐共存的可能（且尚未被实证科学规律化）——这恰恰应证了精神分析中关于人内心永恒匮乏的论断。但这抹匮乏，难道不能理解为认知与感觉之间的张力吗？正是这种张力，以及理性与感性之间一次次和解的失败，才促使人跳出理性的枷锁，以感性来定义自己，如尼采笔下的酒神；甚至抛弃一切理智，用“物性”（thing-ness）来重新审视自身。与其说人类的存在是一场思辨式的嬉戏，不如说“Almost Human”更倾向于一种近乎疯癫的追问。在展出作品中，艺术家们总是像撕开伤口般，一点点剖开人/非人、有机物/无机物之间的各种界点。他们宛如外科医生，用手术刀切开每一个可疑的切口；只是这一次，外科医生是艺术家自己，而被解剖的对象，亦是他们自身的肉身。正是这种源于内心深处对人本质的真切感受与思辨，带来了多元且极具复杂性的审美体验。通过这场追问，最终有没有可能，“人/人类”这个词，其实只不过是一个名字而已？ --------------------------------------------------------------------------------------------------------- 谷优 出生于中国湖南，工作和生活于柏林/北京 2013年 毕业于北京电影学院 2021年 毕业于柏林艺术大学自由艺术专业，获得大师生称号 王哲 出生于江苏 2011年 毕业于四川美术学院油画系 2018年 毕业于不来梅艺术学院 取得研究生学位及大师生称号 2015年 前往赫尔辛基艺术学院交流学习 2018年 获得奖项 "Karin Hollweg Preis 2018” 于林汉1990年生于北京，现工作生活于北京/柏林 2013年 毕业于中央美术学院油画系三画室 2017年 毕业于不来梅艺术学院 获得德国大师生称号

COMMON PLACE 开业已经四年了。平日里，许多客人穿着我们心爱的衣服，但同时，这群人也一直伴随着公司成长，他们就是那些幕后的工作人员：守着店门的老张一家，办公室里的阿姨们，还有店里负责各种维修的李师傅。 我常想，他们穿上店里的衣服，应该也会很酷吧？ 于是，我们在“五一”劳动节期间拍摄了这组照片，以此感谢公司里这些默默付出的幕后工作者们。 向所有劳动者致以节日的问候 COMMON PLACE

杨迈：如果我可以开口COMMON PLACE 荣幸地宣布，将于2021年7月16日至9月15日呈现艺术家杨迈的个人项目“如果我可以开口”。杨迈的创作是对个人情感、生活经历与集体记忆的回应。他试图提取并转化事物与材料在固有社会语境中的功能性和工业属性，重新思考它们的定义，并在想象与感知的层面融入个体。通过与社会相互妥协所形成的微妙而隐形的形态关系，正以一种开放的艺术语言被重构与塑造。有时以荒诞欢快的方式，对系统性行为与服从的观念发起挑衅。“如果我可以开口”代表了服装对穿着者的限制、顺从与权威。然而，这些展开的形态排列也展示了“身体”如何自由地相互连接。无论是反叛还是顺从，在纠缠与缝隙之间存在着另一种抵抗：拒绝参与其原始目的，并从人体中独立出来。在这里，美学已成为通往激进自由的一种手段：从必须由身体填充的解放中解脱，以及那种要求成为其自身的“无身社会”。

李华珍清水与石膏的诗

COMMOM PLACE 与 RSociety 合作，十月装置艺术展 ——《时间》 展览日期：2020.10.01 -- 2020.11.30 开放时间：每日 10:00 - 18:00地址：中国北京市顺义区顺沙路98号

“装置的灵感源于空间——common place独特的工厂空间，及其服装媒介中随性的风格，在我眼中还原了织物本身的特质与原始面貌。这让我联想到了织布机上的梭子，从而在这个独特的空间中衍生出了梭子的声音。我对梭子声与服装空间之间的联系很感兴趣，二者的融合也是我所关注的。在作品开始之前，我常尝试与空间进行一次“对话”，通过感触去与之交流。对我而言，空间与其说是一个场所，不如说是一种材料。深入思考空间本身也是作品中非常重要的一部分，唯有这样才能确保作品是“活”的。当你走到那里拍手时，会发现这里有回声。长空间里的回声并不是那种宽泛的回响，它不会让多种声音融合在一起变得杂乱，相反，它会自然地将声音扩散开来。这是我在与空间对话时注意到的。每一个梭子都随机排列成行，电机的速度和不同质感的珠子会产生撞击声，一些意想不到的效果会随机出现。这就是我为作品保留的契机，让它能够自由地生长。”展览 ▪️ “梭音” ▪️ 展览将于明日正式开幕，展期为2020年8月30日至2020年11月29日 地址：北京市顺义区高丽营镇张喜庄顺沙路98号，common place  

艺术家：陈靖宇/ Roy.XR.Chen/ 葛雅静/ 刘嘉瑜/ Leayoung/ 李华珍/ 施琪/ 王明磊/ 尤阿达/ 张家星/ 张极 玻璃草项目（The Glass Grass Project）携手Common Place共同邀请了十余位艺术家合作举办群展“肤色（COMPLEXION）”。肤色是人类的一种自然属性。皮肤作为我们身体外层的介质，承载了我们的感知、记忆和成长体验。它伴随我们与世界的第一次接触，并将信息和信号瞬间传递给大脑。皮肤是独立的、勇敢的、智慧的。最重要的是，它与我们的身体不可分割，是抵御外界的防御机制，也是一个强大的信息转换器。它根据我们不同的成长经历赋予我们独特的皮肤属性；不仅如此，我们的经历随着时间的推移而发酵，形成一层抽象的皮肤，它赤裸而真实，如同绘画一般，记录着色彩、光影与声音。本次群展的十位艺术家将通过对周围环境的吸收与反射，捕捉并再现色彩与材质，并通过绘画、雕塑和装置艺术将其呈现出来。我们的空间将成为这一切的基石，艺术创作源于身体，穿过皮肤，延伸至空间，并充盈每一个角落。 展览日期：2019年11月2日 - 2020年2月2日画廊开放时间每日10:00 - 18:00地址：中国北京市顺义区顺沙路98号